Interview : Kenta Cobayahsi インタビュー : 小林健太

The cover of EVERYTHING_2, 2020
INTERVIEW :

Kenta Cobayashi
小林健太

-2012年にこばけんの通う大学で横田大輔と行ったzineのワークショップに受講生として参加してくれて、写真を見せてもらったのが出会ったきっかけだったね。見せてもらった写真も友人たちを撮ったストレートな写真だった。当時から渋家(渋谷の一等地の一軒家を複数人の10-20代の若者でシェアするプロジェクト)に住んでいたんだっけ?その頃から写真を使って作品を作っていくビジョンはあった?

当時はまだ渋家に住んでいませんでした。大山さんと横田さんのワークショップで見せたのは家族や友人を写したモノクロームでストレートフォトのzineでした。ワークショップをきっかけに、同期だったPUGMENTの大谷将弘と一緒に大学のコピー機で遊びながらzineを作りました。その翌年から渋家に住み始め、日々の写真を撮りはじめました。渋家では毎月zineを作って交換する「GENE’S MATE」や、巨大なzineを制作する「MMGGZZNN」プロジェクトを行い、現在の活動の起点となりました。zineの制作によって、写真のレイアウトを組む面白さに気がつきました。
そういえば大学時代に大谷と「流通」についてよく考えていました。美術大学の閉鎖的な空間に限界を感じていたんです。ハンドメイドの出版という手法は、流通の手触りを感じるために最適な手法に思えましたし、そのコレクティブを行なっている人が日本にいて、そこから世界中の評価を得たアーティストがひとまわり上の世代にいるという話は、勇気とインスピレーションを与えてくれました。

-You and I met in 2012 when you participated in a self-publishing workshop I did with Daisuke Yokota at your university as a student and showed me your photos. They were straight photos of your friends. Did you live in Shibu-house (a project where multiple teens and 20-somethings share a house in a prime location in Shibuya) back then? Did you have a vision to make work with photography at that time?

At that time, I was not yet living in Shibu-house. What I showed at you and Yokota’s workshop was a monochrome, straight photo zine of family and friends. After the workshop, I made some zines with my colleague Masahiro Otani of PUGMENT and I played with a copier at the university. The following year, I began living in Shibu-house and taking daily photos. It was through the creation of the zines that I found it interesting to put together the layout of the photos.
Come to think of it, I often thought about Otani and “distribution” when I was in university. I was feeling limited by the closed space of an art university. Self-publishing seemed like the perfect way to get a feel for distribution, and it was encouraging and inspiring to hear that the people running the collective are in Japan, and that there are artists in the generation above them who have gained worldwide recognition.

Zine workshop, Tokyo Zokei University
a day in the life, 2012
-2014年に当時東雲にあった後藤繁雄さんの運営するG/Pギャラリーでのグループ展「THE EXPOSED#7」をキュレーションさせてもらうことになって、声を掛けた。ワークショップの後、ブログ『Everything』に写真を上げてたのをチェックしていたんだけど、当時は何を思ってネットに写真を上げてたの?

高校時代に渋家の存在を知ったのですが、そのきっかけの一つが石田裕規(渋家メンバー:写真家)のブログで、熱心にウォッチしていました。元々石田の影響を受けて写真の面白さを知ったので、僕が最初にメディアとして扱ったのもブログになりました。
高校時代『銀河ヒッチハイクガイド』が好きで、通学中によく読んでいました。有名なセンテンス「生命、宇宙、そして万物についての究極の疑問の答え(Answer to the Ultimate Question of Life, the Universe, and Everything)」から引用して『Everything』をブログのタイトルとしました。

-「THE EXPOSED#7」では展示のために写真をプリントするのは初めてだったわけだけど、モニター上で写真を見るのと展示のために大きくプリントして写真を見ることは、経験として違いがある?

プリントとモニターでは異なる質感が確かにありますが、作品が空間に配置されることの感触の方が、自分にとっては大きな意味がありました。作品のサイズや配置を工夫して、空間が放つ意味合いを変えていくというのは、ある種の結界の作り方です。ウェブ上で表示される作品ももちろん重要なのですが、それはあくまで実空間の結界が作動するためのタネのようなものです。

-In 2014, I was invited to curate the group exhibition “THE EXPOSED #7” at the G/P Gallery run by Shigeo Goto in Shinonome. After the workshop, I was checking out the photos you had put up on your blog “Everything”. At the time, what were you thinking about putting your photos up online?

I became aware of the Shibu-house when I was in high school, and one of the ways I learned about it was through the blog of Yuuki Ishida (Shibu-house member: photographer), who was a keen watcher. Originally, I was influenced by Ishida and found photography interesting, so my first medium to treat it as a medium was a blog.
When I was in high school, I loved “The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy” and used to read it on my way to school. I chose “Everything” as the title of my blog, quoting from the famous sentence “Answer to the Ultimate Question of Life, the Universe, and Everything”.

-In “THE EXPOSED#7”, it was your first time to print photos for an exhibition, is there a difference in experience between looking at a photo on a monitor and looking at a photo printed large for an exhibition?

There are certainly different textures in print and monitor, but the feel of the work being placed in the space meant more to me. By devising the size and arrangement of the work, the meaning of the space is changed, and this is how a kind of boundary is created. The works displayed on the web are important, of course, but they are just the seeds for the real-world boundary to operate.

THE EXPOSED #7 at G/P Gallery, 2014
THE EXPOSED #7 at G/P Gallery, 2014
THE EXPOSED #7 at G/P Gallery, 2014
-その後に自主出版で『Friends Forever』を作って、Newfaveで扱いながら海外のブックフェアに参加したね。アーティストが自分で本を作ることについて、またロンドンやNYなどのブックフェアについてどう思う?

2014年から2016年にかけて積極的に海外のブックフェアに参加しました。いろんな国に自分の作品のファンがいてくれるのは、非常に嬉しい体験でした。日本からチームで参加して、ブースに立って販売して、終わったら酒を飲んで街を探検して、というのはキャラバンで行商しているみたいでとても楽しかった。大山さん横田さんをはじめとして、良いチームに混ぜてもらえて幸運でした。
僕が初めて制作の楽しみを覚えたのは、中学生時代にフラッシュを使って雪の結晶を作るウェブサイトでした。工夫してユニークな幾何学図形を作って、そこに2、3件のコメントが英語で書き込まれたとき、制作を通して世界とつながることの喜びを知りました。海外のブックフェアで作品を販売して、実際に反応をもらうのは、中学生のときのあの喜びの延長線にあるような気がします。

-2015年には中里周子さんとの二人展『ISLAND IS ISLANDS』ではVR作品を手掛け、『SOUND&VISION』では映像と音響を含めたパフォーマンス作品を発表した。この頃から写真を軸にしつつ扱うメディアを拡張し始めた感じだね。

そうですね。『ISLAND IS ISLANDS』のVR制作ではGod Scorpion、のちのVR作品『REM』ではビートメイカーのMolphobeatsとコラボレーションしましたし、『SOUND&VISION』では高田優希とコラボレーションしました。全員渋家で同じ釜の飯を食った仲です。作りたいものがあるから彼らに声をかけたというより、ただ一緒に何かをやりたかったから彼らを誘ってみました。
そもそも写真というメディアは、外部環境を取り込むことでしか成立しない、コラボレーションのしやすいメディアだと思います。僕がタグやサインのように、ストロークをシンボリックな痕跡として残したのは、コラボレーションのために特徴的な形を埋め込んでおきたかったのかもしれません。

-You self-published “Friends Forever” and participated in book fairs abroad while handling it on Newfave. What did you think about artists making their own books, and about book fairs in London and NY?

From 2014 to 2016, I actively participated in book fairs abroad. It was a very gratifying experience to have fans of my work in so many different countries. A team from Japan participated in the event, standing in a booth and selling, and afterwards drinking and exploring the city, it was a lot of fun, just like a caravan. I was lucky to have a good team including Oyama-san and Yokota-san.
The first time I learned to enjoy creating something was on a website where I used flash to make snowflakes when I was in junior high school. When I created a unique geometric figure with some ingenuity, and a couple of comments were written in English, I knew the joy of being connected to the world through creation. Selling my work at overseas book fairs and actually getting a response is like an extension of that joy I had in junior high school.

-In 2015, you created a VR work for the two-person exhibition “ISLAND IS ISLANDS” with Noriko Nakazato, and in “SOUND&VISION”, you presented performance works, including video and sound. It was around this time that I started to expand the media that I dealt with while focusing on photography.

Yes, that’s right. I collaborated with God Scorpion on the VR work of “ISLAND IS ISLANDS”, beat maker Molphobeats on the later VR work “REM”, and Yuki Takada on “SOUND&VISION”. They all ate the same food in Shibu-house. I didn’t reach out to them because I wanted to make something, I just wanted to do something together, so I invited them to join me.
To begin with, I think photography is a medium that is easy to collaborate with, and can only be established by taking in the external environment. The reason I left the strokes as symbolic traces, like tags and signs, may have been that I wanted to embed a distinctive shape for the collaboration.

Friends Forever, Offprint Paris 2014
Friends Forever, 2014
Sound&Vision, Tate Modern, Offprint London 2016
-先行する日本の写真家との関わりとしては横田大輔とのコラボレーション作品『The Scrap』が挙げられる。これはひとつの写真に対して交換日記のようにそれぞれが加工や画像編集を重ねていくというユニークな取り組みで、写真への姿勢として二人に共通するものがあるからなし得たことでもあると思う。横田の存在や作品についてはどう思う?

横田さんはだいたい10歳上の先輩ですが、海外のフェアではいろいろと案内してもらいました。アーティストやキュレイター、コレクターを紹介してくれました。ともに写真を大きくクラッシュする作風の写真家として、横田さんのファンが自分の作品を好んでくれるということも多かったです。
『The Scrap』では互いの写真を交換しながら加工を重ねていきました。横田さんが『Color Photographs』に代表されるような、溶解したフィルムの技法に行き着くまでに、デジタル加工のバリエーションをいくつも試したことは知っていましたが、その片鱗をやり取りの中で感じました。
自分としては、横田さんとやり取りの中で、共通点より相違点を見出せたことが影響として大きかったです。個人として追求するテーマの違い、世代として影響を受けた文化の違い、カラーの扱い方や質感の好みの違い、コラボレーションするチームの違いなど… それらを自覚していくことで、自分の作品の輪郭が見えてきました。
横田さんは日本の新世代写真家として、海外の現代写真のシーンに斬り込む先鋒の役割を担っていました。横田さんが望む望まないに関わらず、海外のシーンではプロヴォークの面々と横田さんの比較が成されていました。横田さんはそのことに真摯に向き合っていたと思います。一方僕は伝統的な日本写真からの影響もプレッシャーもなく、グローバルなデジタルネイティブとしての看板を背負うことになりました。
そのようなシーズンも今は過ぎたように感じます。お互いにこれから全く異なる道を歩むような気がします。楽しみです!

-Your prior involvement with Japanese photographers was the collaboration work with Daisuke Yokota, “The Scrap”. This is a unique approach in that each of the two artists has processed and edited each photo as if it were an exchange diary, and I think this was possible because the two of them share a common attitude toward photography. What do you think about Yokota’s existence and his work?

Yokota is about 10 years my senior, but he gave me a lot of guidance at the fairs overseas. He introduced me to some artists, curators and collectors. As a photographer with a style that crushes photography in a big way, Yokota’s fans often liked my work.
In “The Scrap”, we exchanged photos of each other and processed them over and over. I knew that he had tried a number of variations of digital processing before arriving at the technique of dissolving film, as typified by “Color Photographs,” but I got a glimpse of that in our conversation.
For me, the fact that I was able to find more differences than commonalities in my interactions with Yokota was a major influence. By becoming aware of the different themes we pursue as individuals, the different cultures we are influenced by as a generation, the different ways we handle color and the different textures we prefer, the different teams we collaborate with, and so on…I have come to see the contours of my work as a result of this awareness.
As a new generation of Japanese photographer, Yokota was at the vanguard of breaking into the international contemporary photography scene. Whether he wants to or not, Provoke’s photographers on the international scene and his comparison was made. I think Yokota was very sincere about that. I, on the other hand, had no influence or pressure from traditional Japanese photography to carry the billboard as a global digital native.
Such a season seems to be over now. I feel like we’re going to go down very different paths from here on out. I’m looking forward to it!